Как научиться разбираться в искусстве🖼️

Искусство против старости

Последние полгода я не ходила на занятия из-за семейной ситуации. В сентябре я переехала в Богородск к молодому человеку и его бабушке, у которой болезнь Альцгеймера. Я выматывалась за неделю и не могла ездить на воскресные лекции. Болезнь близкого человека стала препятствием, но я нашла новое вдохновение — курсы урбаниста Андрея Амирова по современному искусству. Они лучше вписались и в график, и в мои потребности — после фундаментальной истории стало не хватать современности. Рассуждения Андрея о перформансе сподвигли меня создать блог об Альцгеймере — это мой небольшой акт творчества в журналистике. Искусство научило меня видеть вдохновение во всем, даже в болезни. Оно помогает мне научиться жить с этой проблемой.

Благодаря этому опыту я поняла кое-что важное. Голова не может работать без вдохновения

Говорят, что думающий человек меньше стареет, но, мне кажется, это не совсем так. Бабушка много работала головой, думала, как прожить в сложное время, как свести концы с концами — и ее мозг просто сломался от перегрузки. Чтобы не стареть, нужно работать не только мозгами, но и душой. Без вдохновения ничего не получится, а оно никогда не приходит от головы. Я стремлюсь к взаимодействию между вдохновением и умственной работой. Познание искусства для меня — это душевный труд. Отдушина.

Я получила два с половиной года курсов, которые сама же и организовала, а потом меня куда-то унесло. Профессор и его слушатели занимаются теперь без меня. Задумка о создании галереи сошла на нет, да и за это время в городе появились новые места для современных художников. Мою идею реализовали, и это неплохо.

АлександрНиколаевичДонин

профессор искусствоведения

Я работал во многих нижегородских вузах и отметил, что, скажем, на сто слушателей найдется только два-три человека, которым будет интересно искусство. Остальным — нет. Сегодняшние студенты воспитаны так, что у них на первом плане деньги, деньги, платья, ювелирные украшения. Но и из этих двоих-троих очень редко находится кто-то, кто имеет сильное желание и возможность все это изучать более подробно, чем предписано вузовским курсом. В этом сообществе я рассказываю в 20-30 раз больше материала. В самом деле: вузовский курс — это в лучшем случае три семестра. А у нас уже прошло три года, и мы начали с первобытного искусства и сейчас доходим только до развитого Средневековья. Сколько у нас еще впереди — по крайней мере, на такой же период времени, а может быть, даже и больший.

Мыслящему человеку свойственно хотя бы иногда задумываться над тем, для чего существует человек и человечество. Главным образом люди заняты созданием сугубо материальных благ и стремлением отобрать друг у друга эти блага, что выливается в войны и другие малоприятные вещи. Я убежден, что человек создан совсем для другого. Помимо того, чтобы овладеть космосом, как думали 50 лет назад, цель человечества в создании произведений духовной жизни. Я имею в виду архитектуру, музыку, литературу, изобразительное искусство, танец и так далее. И вот одна часть человечества это создает, а другая может это познавать и усваивать. А где-то поесть, во что-то одеться, где-то поспать — это уже дело десятое. Так сложилось, что я обладаю довольно большим количеством познаний в этой области и цель своей жизни вижу в том, чтобы эти знания кому-то передавать. Вот и все.

Olga Chuvorkina

Директор образовательных программ проекта «Синхронизация». Историк искусства, преподаватель РГГУ, методист, сотрудник ГМИИ им. Пушкина.

О лекции к фильму «Винсент Ван Гог — Новый взгляд»:
Более 100 лет назад трагически оборвалась земная жизнь Ван Гога, и зародилась легенда о нем, последнем «истинно великом художнике», «гении с горящим сердцем». Попробуем за вуалью мифологии, догадок и выдумок увидеть не только Ван Гога-художника, но и философа, и Человека. А также проанализируем его ключевые работы и творческий путь.
О лекции к фильму «Я, Клод Моне»:
На встрече поговорим о Моне -человеке и Моне-художнике — поэте современной жизни. Поймем, что значит быть импрессионистом, зачем обновлять искусство и как быть, если современники не разделяют твоих идей.
О лекции к фильму «Ренуар – Неизвестный художник»:
Вы узнаете, кем был Ренуар не только в искусстве, но и в жизни — в глазах своих близких и современников. Что связывает Ренуара с творчеством великих предшественников (Рубенс, Рафаэль, Микеланджело) и не менее известных последователей (Матисс, Пикассо). А также почему он одним из первых ушел от импрессионизма и чем обернулся резкий поворот в его творчестве для последующего развития всего искусства.
О лекции к фильму «Мане: Жизнь на холсте HD»:
Из обсуждения вы узнаете, почему Мане — совсем не импрессионист, и что помогло ему создать «Олимпию». Как художник желал обновить искусство, за что его не любили современники и, наконец, кто и когда впервые перепутал Моне и Мане. О лекции к фильму «Импрессионисты»
Импрессионизм любят многие: узнаваемые сюжеты, «радостная» цветовая гамма, солнечный свет и стремительное движение мазков пленяют зрителей уже больше 100 лет. На лекции узнаем:- Чем обернулся для искусства бунт художников — «впечатленцев»: Моне, Ренуара, Дега, Писарро;- Как желание писать новые сюжеты спровоцировало изобретение новых техник живописи;- Почему «содружество» импрессионистов оказалось непрочным;- Чем был импрессионизм в глазах современников и как они принимали работы.
О лекторе:

Ольга Чуворкина («Синхронизация»)
Директор образовательных программ «Синхронизация». Историк искусства, преподаватель РГГУ, методист, экскурсовод (Государственная Третьяковская галерея, ГМИИ им. Пушкина).
Выпускница и аспирантка Российского Государственного Гуманитарного Университета, имеет магистерскую степень Университета Париж-IV Сорбонна (Master I, l’Université Sorbonne-Paris-IV, UFR Histoire de l’art et archeologie).
Сфера научных интересов:
— История западноевропейского средневекового искусства;
— История западноевропейского искусства XIX-XX веков;
— История русского искусства XIX-XX веков;
— Теория и методология искусства: теоретико-методологические проблемы интерпретации произведения искусства и применения интерпретационных стратегий, проблемы «новой истории искусства» и обновления методологического арсенала истории искусства;
— Проблемы стиля и иконографии, соотношения вербального и визуального, проблемы и средства визуализации смыслов в художественной культуре XIX-XX веков.

2. Профессия Флорист от Talentsy (сайт школы)

За 8 месяцев вы узнаете множество техник сборки букетов, упаковки горшечных растений, а также всё об эффективном хранении цветов.

Коротко о главном

Стоимость: от 2 625 ₽\мес.
Оплата: в рассрочку на 24 месяца.
Продолжительность: 8 месяцев.
Документ об окончании: диплом.
Наставник: Наталья Жижко и другие.
Подойдёт курс: стартаперам, начинающим и профессиональным дизайнерам, декораторам, новичкам во флористике. А также, собственникам цветочного магазина, дизайнеру интерьера.

Программа

Основы флористики: введение в профессию, инструменты, выбор, покупка цветов, рабочее пространство, изготовление каркаса, колористика, цветочная композиция.
Праздник: рождественская композиция, украшения на Новый Год, День Святого Валентина, 23 февраля, весенний букет на 8 марта, сладости, фрукты.
Свадьба: общение с заказчиком, разные стили, украшения для головы, бутоньерки, оформление стола, цветочная арка.
Коммерческая флористика: упаковка букета, горшечной композиции, конфликтология, потребность клиента.
Фотография: сочетание цветов, работа со светом, позирование, обработка, ретушь.
Продвижение в соцсетях.

Плюсы:

Рассрочка: оплата после обучения, одобрение за 1 день.
Диплом.
Упор на практику.
Персональный наставник.
Сопровождение в течение всего обучения. Получение развернутых комментариев в течение двух дней.
Спикеры — эксперты со всего мира.
Безлимитные материалы.
Помощь в трудоустройстве.
Самостоятельная покупка материалов для практики.
Скидки в цветочных магазинах.
Инструменты флориста в подарок.
Пополнение портфолио.
Гайд в подарок, а также дополнительная скидка после прохождения теста.

Преподавательский состав

Наталья Жижко — чемпион России и Европы по флористике.

Алексей Булатов — основатель школы Николь, член Союза Дизайнеров России.

Особенности

Обучение включает в себя видеолекции, мастермайнды, практические задания, общения с наставником, закрытые эфиры.

Чему научитесь

Модно упаковывать горшечные растения, букеты.
Выбирать цветы для поставки.
Собирать букеты.
Продлевать жизнь срезанным цветам.
Вести аккаунт в социальной сети.
Профессионально общаться с клиентами.
Создавать цветочные композиции для всех ключевых праздников.

№3. Научитесь понимать цифровое NFT искусство

Я знаю, что это сложно, потому что люди пытались разработать удовлетворительное определение «искусства» на протяжении… ну, столетия.

Но давайте попробуем.

В настоящее время быть успешным NFT художником — это играть как в заведении, так и за его пределами.

Речь идет о признании традиций и новых тенденций, не имитируя их.
Речь идет о насмешках над системой, не отрицая этого, и это точно касается как художника, так и искусства.

Самые известные художники нашего времени не обязательно самые талантливые, но те, кто больше всего понимает арт-рынок, успевая войти в мощные и избирательные учреждения, такие как галереи, музеи и аукционные дома.

Франсиско Гойя

Франсиско Гойя – герой биографического романа Лиона Фейхтвангера, по которому большинство людей познакомились с этим живописцем, его любовными похождениями, последствиями болезни. Но рассказ Оксаны Санжаровой открывает слушателю совершенно новые стороны личности героя, его характер, новаторский подход к работе, долгий путь от создателя веселых ярких эскизов для шпалер до придворного портретиста. Разбирается и вторая часть жизни Гойи – глухота, медленное погружение в себя, воплощение на холсте и гравюрах своих демонов, создание на стенах дома «Мрачных картин», н-р, «Сатурн, пожирающий своего сына».

Каким должен быть контур

Можно достичь интересного эффекта делая разные по типу контура

Тим фон Рюден использует четыре техники для рисования контура объекта. Контур может быть тонким, жестким, невыразительным или полностью отсутствовать. Если вы хотите сделать отчетливые края, тогда рисуйте тонкий или жесткий контур. Соответственно, чтобы края не были заметны, насыщенность объекта и фона, должны находится на одном уровне. В случае, когда контур отсутствует, смотрящий самостоятельно определяет его очертание.

Вам стоит поработать с каждым видом контура и научится комбинировать их так, чтобы это выглядело гармонично и вызывало интерес у зрителя.

Англия. От Уильяма Хогарта до модерна

Выступление профессора Российского государственного института сценических искусств (РГИСИ) Николая Громова посвящена не особо популярной в плане искусствознания стране – Англии. Даже далекие от «сферы прекрасного» люди слышали о талантах Италии, России, Нидерландов, но Англия не могла похвастаться гениальными шедеврами, прогремевшими на весь мир. Николай Громов постарается донести до слушателей то, что несправедливо задвигается на задворки Италии, Франции, Голландии – работы английских художников. Рассмотрены полотна Томаса Гейнсборо, Джошуа Рейнолдса, Джона Констебля, Эдварда Пойнтера, Лоуренса Альма-Тадема.

Ваш NFT проект и социальные сети

Поддержание различных социальных сетей в актуальном состоянии является сложной задачей, поэтому выбирайте, чем вы действительно можете управлять.

Запросите отзывы у своих подписчиков и ответьте на них. Если вы проведете опрос, чтобы спросить их, какие тематические иллюстрации они хотели бы видеть дальше, ответьте, создав что-то связанное с тем, что они просили.

Проясните в своей биографии и в своем контенте, что вы являетесь художником NFT, вставьте ссылки на сайты, где перечислены ваши NFT, и будьте особенно активны в сообществе NFT, потому что это тот, к которому вы принадлежите больше всего.

На рынках NFT есть такие форумы, как Discord, где вы можете взаимодействовать с другими цифровыми художниками NFT, отвечать на их вопросы о вещах, которые вы уже поняли, и спрашивать их о тех, которые вы все еще пытаетесь узнать.

Классика vs современность

По словам художника и теоретика искусства Дмитрия Гутова, современному искусству присущ эффект узнавания. Его суть заключается в том, что, заинтересовавшись современным искусством, человек быстро начинает узнавать художников, произведения которых видел однажды. Например, невозможно не узнать характерную цветовую гамму Ива Кляйна и его отпечатки женских тел на холсте. Или работы Жан-Мишеля Баскии, а также граффити Кита Харинга. У современных художников запоминающийся стиль, благодаря чему быстро достигается тот самый эффект узнавания. А у человека возникает ощущение приобщения к искусству — одной из высших сфер деятельности духа. И это оказывает благотворное воздействие во всех смыслах: и эмоциональном, и интеллектуальном, поскольку приводит к повышению самооценки.

Ив Кляйн

Чтобы добиться того же эффекта в классическом искусстве — различать с первого взгляда работы старых мастеров — например, Хуго ван дер Гуса и Рогира ван дер Вейдена, Тициана и Джорджоне, Боттичелли и Верроккьо, — придется потратить гораздо больше времени, чем на «узнавание» произведений современных художников.

Кроме того, современное искусство дарит чувство сопричастности, пребывания на пике современности: оно пластично, текуче, развивается здесь и сейчас, и зритель растет вместе с ним. Неслучайно музеи современного искусства, которые есть практически во всех крупных мировых столицах, весьма посещаемы.

Согласно исследованиям, проводившимся в Италии, при посещении музеев современного искусства люди испытывают более яркие ощущения, чем музеев, где собраны произведения классических мастеров. Можно сказать, что традиционная живопись дает пищу для ума, а объекты современного искусства — для души и эмоциональную подпитку.

Самые крупные художественные события — La Biennale di Venezia, Art Basel Miami — посещают те, кто получает там яркие эмоции, даже не имея специального образования. И это позволяет человеку, далекому от искусства, сделать жизнь более насыщенной, что во многом объясняет, почему произведения contemporary art так популярны и высоко оцениваются на арт-рынке.

Дмитрий Гутов

Искрометная подача, выжимка самой главной информации, интерактив и юмор отличают лекции российского художника и искусствоведа Дмитрия Гутова. Оратора Гутова интересно слушать по трем причинам. Первая — он много, очень много читает. Отсюда и глубина познаний, и блестящая вербализация: в его изложении завораживает любая тема, от каменного века и Древнего Египта до супрематизма и московского концептуализма. Вторая причина — он не только теоретик искусства, но и художник, причем заметный (вы можете помнить его персональную выставку «Рембрандт. Другой ракурс» в Пушкинском в 2015 году). По собственному признанию, знание теории мешает ему творить, а вот мастерство художника читать лекции только помогает. Третье отличие Дмитрия от многих искусствоведов-теоретиков — он последние лет тридцать очень активно включен в художественный контекст: участвует в Венецианских и других биеннале, выставках «Манифеста» и «Документа», дружит с художниками и философами. Его бодрый голос и фирменная оранжевая толстовка мелькают на разных дебатах, круглых столах и лекциях — от Пушкинского музея до онлайн-школы Manasir School. Отдельное удовольствие — читать страницу Гутова в Facebook, где он делится заметками о своих путешествиях по музеям от Ташкента до Бильбао.

Дмитрий Гутов

Фото предоставлено Manasir School

Лекторий ГМИИ им. А. С. Пушкина

Волхонка 8–10, 14, Колымажный пер., 6, стр. 2

Что преподают:
историю зарубежного искусства

Преподаватели:
сотрудники Пушкинского музея

Сколько:
одно занятие в лекционном абонементе – 300 рублей, цена абонемента определяется количеством лекций.

Уже восемьдесят лет лекторий ГМИИ им. А. С. Пушкина знакомит всех желающих с историей западного искусства. В 2016–2017 году здесь предлагают абонементы на лекции по истории искусства с древнейших времен до наших дней, а также циклы лекций, посвященных архитектурному облику городов и художественным собраниям музеев мира. Можно прослушать курс по западноевропейскому искусству XVII–XIX веков, импрессионизму, творчеству Энди Уорхола и поп-арту, повседневной жизни в Древней Греции, истории кино от дадаистов до Флюксуса и современного видеоарта. Лекции адресованы самой разной аудитории: взрослым и детям, любителям классики и авангарда, студентам и бабушкам, любителям и профессионалам. Фактически в лектории Пушкинского можно получить университетские знания по всем разделам зарубежного искусства, да еще учиться непосредственно на подлинниках либо музейных копиях у профессиональных искусствоведов.

Команда: расти со скоростью проекта

Год назад «Синхронизация» сформулировала свою миссию: менять разговоры на кухне. Мы хотим, чтобы после наших лекций люди возвращались домой и обсуждали не общих знакомых, а хорошие фильмы, выставки и научные открытия. Такие разговоры помогают лучше узнать друг друга, «синхронизироваться» и стать немного счастливее.

Мы верим, что классный продукт может создавать только увлеченный и счастливый человек. Для этого нужно верить в ценности «Синхронизации» и интересоваться образованием для взрослых. Маркетолог, которому все равно, продавать холодильники или лекции про искусство, нам не подойдет.

А еще нужны амбиции. Компания каждый год вырастает в 2,5 раза, и этим темпам надо соответствовать: не бояться постоянной смены задач и любить новые вызовы. У нас небольшая команда из 30 человек, и работа каждого заметно меняет «Синхронизацию» к лучшему.

Но счастье и увлеченность сотрудников — это и моя личная ответственность. Сейчас я успеваю общаться с каждым из них и узнавать, в какую сторону они хотят расти и все ли им нравится. Если человек хорошо работает и любит «Синхронизацию», его возможности в компании не ограничены. Он может прийти к нам и уже через полгода пойти на повышение, а может понять, что таргетинг — не его, и уйти в отдел разработки лекций.

Мы готовы растить новичков, всегда даем право на ошибку и часто шутим, что из «Синхронизации» не уходят сами. Почти все, кто присоединился к проекту в 2015–2016 годах, работают с нами до сих пор. Сооснователь лектория Андрей Лобанов весной 2016 года открыл школу программирования «Алгоритмика» и перестал участвовать в операционном управлении проектом, но стратегические решения по «Синхронизации» мы принимаем вместе.

Сила и ценность UX-дизайна для бизнеса

В чем ценность UX-дизайна для бизнеса

Продуманный UX-дизайн помогает повысить производительность клиентов, уменьшить количество ошибок в работе, снизить затраты на обучение, сделать приложение классным как можно раньше и сэкономить средства на развитие продукта в дальнейшем. А еще UX-дизайн увеличивает продажи, снижает затраты на техподдержку, снижает отток и ускоряет распространение продукта по миру, потому что клиенты начинают сами рекомендовать классные результативные и удобные продукты компании. Подробнее о цифрах можно почитать в статье про окупаемость инвестиций в UX.

Чем на самом деле занимается UX-дизайнер

UX — это моделирование способа взаимодействия пользователя с системой и системы с пользователем. Результат моделирования, к примеру, — программный продукт, который вписывается в картину мира пользователя, ложится в его сознание и руки как родной и помогает ему стать эффективнее.

Интересуетесь свежими статьями по продуктовому дизайну (UX/UI)?

Подписывайтесь на канал в
Telegram
|
,
Instagram,

Facebook

UX-дизайнер проектирует образ системы с учетом того как ее будет воспринимать пользователь и как именно он будет с ней взаимодействовать.

Кстати, UX-дизайн уже научились измерять по конкретным критериям. Питер Морвилл собрал их в формате сот, их 7. Мы подробно разбирали .

Нюанс: Отличие UI от UX. UI≠UX

UX и UI все еще часто путают или считают чем-то похожим. Давайте разберем различия на примере.

Как выглядят элементы на сайте — это UI. А на сколько быстро вы сможете получить доступ к нужной информации и сколько пришлось совершить шагов для достижения цели, — это UX.

UX-дизайнер создает и развивает модель системы, которая призвана помогать пользователю достигать определенных целей. Например модель заказа дорогих автомобилей сайте может включать 3 шага: наполнить корзину, оформить заказ, подтвердить заказ, внести оплату.

UI-дизайнер, в свою очередь, прорисовывает, все эти шаги в мельчайших деталях, с учетом всех эстетических нюансов, задействуя все законы красоты.

Даже в этом примере с корзиной на сайте UX и UI тесно взаимосвязаны — поэтому и происходит путаница. Чтобы понять разницу между UX и UI задайте вопрос: А откуда вообще взялась корзина? Разве клиенты добавляют автомобили в тележку пачками, как в супермаркете? Или все-таки нужна модель не корзины/тележки из супермаркета, а тест-драйва в автосалоне. А значит мы можем вместо корзины на сайте, сразу при выборе автомобиля предлагать записаться на тест-драйв или начать оформление покупки (в том числе в кредит). Получается, что за любым объектом в реальном мире стоит модель, которая находится в нашем сознании — это наши представления о том, как эта штуковина перед нами должна работать. И эти представления возникают, еще до того, как мы даже дотронулись до этой штуки.

Поэтому UI-дизайнеры тоже активно изучают психологию пользователя и вникают в UX, чтобы максимально точно воплощать в интерфейсе все визуальные нюансы, которые будут вызывать желание у пользователей вернуться в прекрасную атмосферу продукта снова и снова для достижения целей.

На тему отличий UX и UI есть тоже отдельная статья, вы можете нырнуть и поглядеть еще детали на границе UX и UI.

Рацио-эмоцио: оси реакции на предмет искусства

Современное искусство работает либо с эмоциональной, либо с интеллектуальной сферами зрителя, или одновременно с обеими. Оно нацелено на то, чтобы вызвать у человека эмоции и, как следствие, размышления об увиденном. Или только эмоции — и это уже шаг к пониманию.

Ярким примером тому служит акционизм: перформанс «Бешеный пес» Олега Кулика, который 23 ноября 1994 года впервые появился перед ошеломленной публикой обнаженным в образе человека-собаки. У названия было поэтическое продолжение: «Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером». Созданный им образ настолько впечатлил зрителей, что фамилию автора знают даже те, кто никогда не интересовался современным искусством. А сам он стал символом времени и медийной персоной. Это еще раз подтверждает: задача современного искусства — вызывать эмоции.

Олег Кулик

То же касается живописи, где на эмоциональное восприятие рассчитаны работы таких художников, как Джексон Поллок, Фрэнсис Бэкон, Марк Ротко. А также Маурицио Каттелана, чьи произведения, хотя и оказываются в центре грандиозных скандалов, высоко ценятся на аукционных торгах. Так, его «Девятый час» — скульптурная композиция, на которой изображена фигура папы римского, пораженного метеоритом, 13 лет назад была продана за 3 млн долларов. Другая не менее известная работа Каттелана — восковая статуя «Молящийся Гитлер» выставлялась в музее в экспозиции классического искусства. Этой работой он стремился показать Германии ее самый большой позор, проведя таким образом шокотерапию с целью изжить комплекс исторической вины.

Такие работы, затрагивая эмоции, заставляют задуматься об этических, религиозных, философских, политических вопросах. Либо просто оказывают сильнейшее воздействие на эмоциональный мир.

Но есть произведения, которые рассчитаны в первую очередь на интеллектуальное воздействие. Понять их непосвященному зрителю сложнее. Чтобы постичь замысел автора, стоит узнать о художнике и его концепции. Иногда эту информацию несут название и аннотация, сопровождающие работу. Например, знаменитая акула Дэмиена Херста была названа «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Работа, проданная за 12 млн долларов, представляет собой настоящую тушу акулы в формалине, заключенную в прозрачный куб. С одной стороны, она неподвижна, с другой — ее широко разинутая пасть как будто устремлена на зрителя и пытается его поглотить. Ее название, глубокое и парадоксальное, отсылает к теме смерти — вечной теме в искусстве. Ее корни уходят в средние века: начиная с «Мертвого Христа» Андреа Мантеньи, все художники Возрождения и более позднего периода писали в разных вариациях снятие с креста, распятие, оплакивание — пьету. К теме смерти обращался в своем творчестве и Рембрандт, создавая картину «Туша быка». Она стала зацепкой для современного художника Фрэнсиса Бэкона, который ее продолжил.

Дэмиен Херст

Другим примером интеллектуальных работ могут служить знаменитые разрезы Лучо Фонтана. Сегодня его цветные полотна можно встретить в любом музее современного искусства, а также на серьезных художественных ярмарках. На отдельных работах сделан всего один надрез, на других — несколько. Его «Пространственная концепция. Ожидание» ушла за 1,5 млн долларов. С одной стороны, кажется странным: в чем смысл и почему они ценятся так высоко? Чтобы понять это, надо познакомиться с концепцией художника. Сам Фонтана называл разрезы concetto spaziale — «пространственный концепт». К слову, такое название имеет большинство его работ. Так он дает понять, что при рассечении плоской поверхности и, следовательно, при переходе на ее обратную сторону возникает новое пространство. Погружение в эту концепцию позволяет открыть новые грани реальности: они понятны благодаря их явному изображению — смысл соответствует контексту. И этим пример Лучо Фонтаны весьма показателен.

Таким образом, погружение в интеллектуальный подтекст работ помогает понять посыл, который хотел донести автор.

Как правило, подтекст, концепция есть практически у всех работ, но большинством произведений современного искусства можно наслаждаться и без глубокого проникновения в смысл. Ведь разрезы Лучо Фонтана выполнены безупречно, а значит, воздействуют на эстетическое восприятие.

Простые и комплексные формы культурно-образовательной деятельности

Поскольку большинство базовых форм, за исключением праздника и исторической игры, относятся к категории простых, их сочетания и комбинации позволяют создавать комплексные формы.

К таковым, например, относится чрезвычайно распространенная форма, получившая наименование «тематическое мероприятие». Это, как правило, разовая акция, которая посвящена какой-либо конкретной теме, событию, лицу и может включать экскурсию и встречу с интересным человеком, лекцию и концерт. В музейную терминологию активно внедряется также понятие «программа», в которой технология синтеза получает свое наиболее яркое воплощение.

Очень перспективны, например, программы, получившие название «Календарь событий выставки». Они осуществляются на протяжении всего того времени, когда работает выставка, побуждая людей неоднократно и по разным поводам приходить в музей.

В контексте обсуждения проблемы «музей и школа» целесообразно отметить, что вновь все большее распространение получает ныне такая форма, как музейный урок, первое упоминание о которой относится еще к 1934 г.

Современная реформа образования способствовала трансформации традиционной формы урока: в школе появились уроки-дискуссии, уроки-зачеты, уроки-исследования. Путем синтеза образовательных моделей пошел и музей. В работе с детьми стали использоваться музейные уроки, получившие названия занятий-игр, экскурсий-викторин, экскурсий-исследований и предполагающие углубленное изучение материала, постановку учебных задач, проверку уровня усвоения знаний. Для проведения таких занятий в некоторых музеях создаются специальные музейные классы.

Новые синтетические формы используются и в работе со взрослой аудиторией. Одна из таких форм — творческие мастерские, которые предполагают участие художников, народных умельцев, музейных специалистов, объединяющих свои усилия для приобщения самых широких слоев населения к ценностям культуры. Мастерские включают научно- популярные лектории, стажировки, пленэры, экологические и реставрационные лагеря для старшеклассников, студентов и всех желающих.

Музейные интернет-класс, интернет-кафе — таков еще один пример синтеза новых информационных технологий и музейного образования. Посетители могут здесь получить дополнительную информацию о музейной экспозиции, познакомиться с музейными страницами в Интернете, компьютерными программами, освоить музейные игровые компьютерные системы. В арсенале интернет-классов находятся виртуальные музеи, позволяющие знакомиться с коллекциями музеев других стран и городов.

Музейный фестиваль как синтез методов профильной и музейной науки также недавно появился в перечне форм культурно-образовательной деятельности музея. Как правило, это «торжественное действие в музее с широким кругом участников, сопровождающееся показом и смотром различных видов искусства или работ, выполненных участниками студий, кружков, ансамблей, иных творческих групп и организаций».

Технология синтеза, предполагающая использование традиционных форм и методов в новых сочетаниях, а также соединение чисто музейных технологий с заимствованными из смежных областей, привносит в музейное образование элемент вариативности. А это становится стимулом для развития музея и расширения его аудитории.

Превью: Мартен ван Клеве, «Праздник св. Мартина», 1579, С.-Петербург, Эрмитаж

Что должен знать искусствовед

В число обязанностей искусствоведа следует включить:

проведение анализов художественных произведений для оценки подлинности или определения авторства;
участие в организации различных выставок или экспозиций;
работа со специальной учетной документацией;
написание и публикация различных исследований, подготовка и проведение лекций как для профильных студентов, так и для интересующихся искусством людей.